文 | 史论春秋

编辑 | 史论春秋

«○●—【前言】—●○»

阿博特的摄影作品证明了她的哲学。近70年来，阿博特一直在努力捕捉日常生活中不断变化的本质。通过它，她塑造了一种现代主义现实主义的美学，反映了美国的场景，美的化身，摄影的象征，和二十世纪的本质。

贝蕾妮丝·阿伯特，1935年11月19日，摄影收藏，米里亚姆和艾拉·d·沃拉克艺术、印刷品和摄影部。

在摄影中，对抽象的讨论，似乎是一个悖论，因为人们已经习惯，它的机械复制的功能和它的描述性表现。然而，一张照片难以识别或难以辨认,光敏表面上的发光打印,这一事实与它的技术定义并不相容。

无论它的性质是什么，摄影图像仍然是某物的图像或表示，即使摄影师使用各种过程,来让观众忘记图像的代表。

自1839年被发现以来，摄影已经用于许多纪录片，基于人类视觉（真实的）制作图片。然而，从20世纪早期开始，许多摄影师就试图通过试验和发展一种抽象的摄影实践来超越这种使用。

«○●—【抽象的起源】—●○»

摄影史在19世纪末，和20世纪初的历史，往往与按世纪顺序，和智力顺序上的现代主义相融合。这张照片的历史，尤其在于媒介的特殊性，和日益增长的自主性，媒介的内在逻辑、原则和进化。

最早的抽象画，出现在1910年左右，由瓦西里·康定斯基、卡西米尔·马勒耶维奇和其他人创作；历史学家观察到，几乎同时，摄影师中也出现了类似的关注。

早在摄影的“上镜图纸”的威廉·亨利·福克斯塔尔博特，在1830年代研究运动的托马斯·埃金斯和尤尔斯马雷（他称之为“时间摄影”）在1880年代，发现图像，可以被描述为抽象，尽管他们服务科学，和技术目的在审美目标。

直到1908年，英国马尔科姆·阿布斯诺的《门阶》或《车轮》中才出现了现代主义的萌芽；这些作品揭示了他对日本艺术的兴趣，强调构图、结构、不对称、线条、明暗的分布。

在艺术之后，故意抽象摄影出现在20世纪10年代中期的美国，1915年保罗·斯坦德的门廊阴影，或1915年的碗中，他演奏了形式、质量、构图和近距离的框架。

早在三年前，阿尔文·兰登·科本在他的系列《纽约》中完成了类似的作品，特别是章鱼，鸟视扁平了视角，产生了二维图案。

斯特兰德等到他与以斯拉·庞德和涡旋运动的会面后，在1916年到1917年之间实现他著名的系列涡图。这些作品揭示了他对空间的立体主义衍射的兴趣，以及意大利未来主义对活力和运动的痴迷。

«○●—【进化】—●○»

上述摄影师的抽象倾向，说明了整个二十世纪的抽象倾向，即美国和欧洲现代主义照片摄影师的，两种平行观点共存。

这些观点一方面包括继承“纯粹的”或“直接的”的照片图形美学，由美国摄影学家，如阿尔弗雷德·斯蒂格利茨，亚伦·西斯金德等；另一方面，实验美学直接来自欧洲雅培、拉斯洛·莫霍利-纳吉、亚历山大·罗琴科等人。

直到摄影试图抓住一个由人眼，通常看不到的日常物品构成的客观现实。没有任何操作，通过强调纯粹的摄影过程，如框架、照明、聚焦、比例或视点，由此产生的图像，利用了扁平和二维图案、几何和设计的纯形式主义。

这一趋势在美国与博纳德·谢·霍恩，马克斯·韦博，和他们的学生克拉伦斯·怀特摄影学院的学生，在1910年代，查尔斯·希勒多伊尔斯敦的房子，楼梯，在斯蒂格利茨的系列，1923-1931年，在西斯金的后期工作。

1930年代和40年代。美国人的直率摄影，与新视野在德国和俄罗斯相结合，他们的杰出代表是莫霍利-纳吉（1928年来自柏林无线电塔）和罗申科（1928年在人行道上）。

比上述直视摄影师的作品，更具实验性或美学上，激进性的是另一种抽象风格，它认为摄影，是一种理想的表达方式，用来构建和创造新的视觉代码。

通过不同的实践，如摄影、光操纵、运动和化学，欧洲摄影师，实现了一系列反复出现的特征，与现代主义抽象联系在一起。

因为照片是在没有相机的情况下制作的，艺术家可以从阴影，和位于光源，感光纸或胶片之间的物体，剪影中创造图像，从而绕过机械或技术设备，有利于想象甚至超现实主义。

在众多抽象操作的起源上，摄影成为本世纪最持久的技术之一，早在1918年就在克里斯蒂安·沙德、1921年的曼·雷和1922年的莫霍利-纳吉，找到了实践者。

作为达达主义和建构主义，摄影过程通过利用纹理、图案、透明度，和正负关系的二元性，来探索摄影的深刻本质。这一过程允许，许多可能性，如非材料化的实验、形式的相互渗透、扭曲和缺乏透视。

20世纪30年代，西奥多·罗萨克、格·齐明、皮特·兹瓦特和威利·齐尔克等艺术家摄影；

20世纪40年代和50年代，布朗尼斯瓦·施拉布斯、朱利安·库伦米尔、安杰烈·波洛斯基、贝克辛基和库尔特·温兰特；莉娜·科拉洛娃、雷内·马·¨切勒和安德烈亚斯·穆拉斯。

70年代；托米·塞巴洛斯、卡雷·马格诺、安德烈亚斯·穆勒波勒和弗洛里斯·诺苏在20世纪80年代利用了这一过程。

在抽象实践中，同样重要的是，光的使用仍然是一个基本原则，其功能不仅可以揭示和使之可见，而且可以作为一种真正的材料加以利用。

在这方面，可以追踪到一些轨迹，包括弗朗西斯·布鲁吉`的光抽象（1919），和20世纪20年代雅洛米尔·芬克的矩形中绘制的照明表面或体积的图片。

在20世纪30年代到50年代之间，摄影师如莫霍利-纳吉，与他的光调制器“机器”，“芭芭拉·摩根抓住发光的流动，无论是固定的还是运动的，以产生书法表达。

最近在法国，20世纪80年代的托马斯·罗奥姆和90年代的博纳德·兰特里，实现了发光和流体的形式，挑战了摄影图像的固定性质。

运动和模糊代表了摄影中抽象的另一个方面。这一趋势在意大利未来学家的作品中得到了体现，如阿图罗和安东宁·布拉格利亚兄弟的摄影活力和菲利波·马索罗的航空摄影，以及20世纪40-50年代德国摄影师奥斯卡·施莱默、彼得·基特曼和奥托·斯泰纳特的动力主义。

总的来说，这些作品符合与当时艺术前卫的表达，相关的速度和运动的美学。但直到20世纪50年代，摄影所特有的模糊、运动和随机质量的美学才得到了体现。

因此，似乎美国威廉·克莱恩的工作，是一个开始和主要参考，当代摄影师如杰拉德·达拉老人，弗雷德里克·加利，帕特里克·托特和穆·波在1980年代，认为运动不仅抄写城市世界的，残酷的活力也作为我的纯形式，揭示摄影的视觉和触觉质量。

最后，选择放弃介质的光学方面，另一组摄影师，更喜欢探索介质的物理化学。依靠暗室实验和无相机的图像，摄影师探索了化学实验中可能存在的抽象品质，导致了20世纪40年代埃德蒙·凯斯汀和查格斯海默，以及50年代斯特雷吉·皮亚泽基或皮埃尔·科迪尔的具体形式。

20世纪70年代的，西格马尔·波尔克和里万·特罗默尔在80年代产生了一种特殊的通过改变照相的化学过程。

«○●—【安塞尔·亚当斯】—●○»

安塞尔在他的一生中，亚当斯作为摄影师、教师、讲师、环保主义者，和作家做出了巨大的贡献。他最著名的是无可争议的自然风景摄影大师。

他对美国西部风景的，摄影研究获得了非凡的声望和声望，部分原因是他以科学精确的方式，接近媒介，并坚持对摄影过程的绝对控制，从而达到了无与伦比的技术完美。

根据亚当斯的说法，这个过程的一个初始，和最重要的组成部分，是摄影师对最终产品的可视化，这包括对意义、形状、形式、纹理和图像格式，在主题上的投影的直观搜索。在快门打开之前，这些图像就会在摄影师的脑海中形成。用亚当斯自己的话来说：

照相机对它之前的物体进行图像记录。它记录了透镜的光学性质，以及负片和印刷品的化学和物理性质。对这些记录的控制，在于摄影师的选择和他对自己指挥的摄影过程的理解。

摄影师在最后的印刷品中想象出了他对这个主题的概念。他通过他的审美、智力和机械等技术来实现他的可视化的表达。

亚当斯1902年出生于旧金山，他在很小的时候就对音乐很感兴趣，并被训练成为一名音乐会钢琴家。14岁时，他全家在约塞米蒂山谷度假，拍摄了自己的第一张照片——这段经历激励了他的余生。

回到旧金山，除了音乐教育，亚当斯跟随一名摄影师学习摄影。他定期回到约塞米蒂，致力于摄影、探索和攀岩。1920年，他与塞拉俱乐部（一个保护组织）成立了一个协会，1928年，也就是他与弗吉尼亚·贝斯特结婚的那一年，他开始在那里担任官方摄影师。

«○●—【小结】—●○»

他的第一批照片，强烈受到流行的图画主义风格的影响，在他1921年的夜画中可见，这是一种典型的软焦点、浪漫的形象。这种风格会很快变成一种更“诚实”的自然表现。

1927年，亚当斯的第一个作品集出版了《帕梅尔印刷品》。在1930年见到保罗·斯特兰德后，并深受他对这个主题的直率方式的影响，亚当斯决定将他的一生奉献给摄影。

作为一名亚当斯和商业摄影师，他找到了一个解决方案，使他能够养家，同时使他能够追求发展自己的艺术摄影作品。

虽然第一次，提供偶尔摄影工作的私人人士，和加州地区公司，亚当斯逐渐获得声誉，很快大公司如美国电报和电话公司，生活杂志，美国信托公司和伊士曼柯达（在他职业生涯的后期）为他提供工作。

参考文献：

黑白摄影的精髓——浅析安塞尔·亚当斯的区域曝光系统[J]. 邵大浪.照相机,2003(11)

论黑白摄影的特殊语言[J]. 李培林.南京师大学报(社会科学版),2003(05)

论光影在风光摄影画面深度中的运用[J]. 高天泽.大众文艺,2018(21)

跟亚当斯学摄影 学习“预先想象”——亚当斯与一位摄影师的对话[J]. 冯建国.中国摄影家,2000(03)